Autor: gabinetedrmabuse

Muerte en los Pantanos [Wind Across the Everglades] (1958) de Nicholas Ray y Budd Schulberg

No se puede negar que parte de la fama que atesora Nicholas Ray se debe en buena medida a su aura de artista maldito. No quiere decir eso que éste sea el motivo principal ni pretenda con ello infravalorar su enorme talento como cineasta pero, partiendo de la base de que el concepto de «artista maldito» nos suele resultar muy atractivo, Ray es de los cineastas a los que mejor se le podría aplicar dicho concepto: en numerosas ocasiones estuvo en conflicto con los grandes estudios de Hollywood mientras los críticos europeos lo elevaban por las nubes, su carrera quedó truncada de golpe a causa de los problemas que dio en sus últimos rodajes, se pasó las últimas dos décadas de su vida intentando levantar proyectos que no fructificaron y hundido en su alcoholismo y, en última instancia, logró filmar una película experimental con un grupo de estudiantes a los que daba clases. Si eso no es maldito, ya me dirán qué lo es.

Obviamente todos los cineastas con algo de personalidad y ambición entraron en conflicto antes o después con productores y grandes estudios, pero el problema de Ray es que no tenía ni el fuerte carácter necesario para afrontar esas situaciones ni la astucia para poder salirse con la suya sibilinamente. Sus mejores películas son casi siempre aquellas en las que o tuvo una libertad de movimientos inusual o sus intenciones coincidían con las del productor. Pero cuando se producía un choque, Ray, de carácter dócil, poco amigo a los enfrentamientos y dado a tener arrebatos depresivos y encerrarse en sí mismo, acababa arrojando la toalla y dejarse llevar. Que aun así algunas de esas películas que no pudo tirar adelante como él quiso acabaran siendo películas muy buenas es solo un ejemplo de su enorme talento. Incluso su peor obra, Infierno en las Nubes (Flying Leathernecks, 1951), un filme bélico infestado de testosterona y patriotismo indigesto, está muy bien realizado y con detalles técnicos muy interesantes pese a ser un puro encargo en el que Ray no se involucró más de lo esencial.

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Participación en dos libros colectivos y curso de cine mudo en el Museu del Cinema de Girona

Queridos lectores, mientras esperamos a que este Doctor retorne de sus vacaciones, quizá les interese saber de su participación en dos libros colectivos que se han publicado este año, así como de un nuevo curso que realizará en el Museu del Cinema de Girona a principios del 2026.

De entrada les recordamos para los que no lo sepan que hace unos meses se publicó el libro La era de los pioneros – 50 obras clave del cine mudo, para el cual preparé este pequeño vídeo que supone mi pequeño homenaje a la era muda y que espero que sea de su agrado:

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Cerrado por vacaciones

Amigos lectores, tengo dos noticias de máxima importancia que darles: ha llegado el calor a la guarida del Doctor Mabuse y se ha estropeado su aire acondicionado. Como uno ya tiene una edad para sufrir este tipo de inconveniencias, creo que lo más adecuado será irme de mi guarida por unos meses y tomarme un descanso hasta que mi gabinete cinéfilo vuelva a ser habitable.

¿Y qué será de ustedes mientras tanto? Mucho me temo que tendrán que seguir adelante sin el Doctor, por imposible que parezca ahora mismo. Dependerán durante unos meses de las recomendaciones previsibles y sesgadas que les hará un algoritmo o de las novedades que les presenten las plataformas a las que estén suscritos. También está la opción de que sigan navegando por estos mares cinéfilos por su propia cuenta, pero entiendo que eso no se lleva en los tiempos que corren. De modo que, no teman, a finales de septiembre el Doctor Mabuse volverá con nuevas recomendaciones para no dejarles huérfanos de descubrimientos fílmicos. Les esperamos para entonces.

Si se sienten especialmente solos sin el Doctor, les recordamos que pueden encontrarnos en nuestras redes sociales, gestionadas por nuestro Community Manager Monsieur Hulot, gran experto en nuevas tecnologías. Estamos en BlueSky, Twitter, Facebook y Tumblr a su disposición.

 

The Cruise [Rejs] (1970) de Marek Piwowski

Buceando entre la infinidad de títulos inagotables que ofrece el nuevo cine polaco de entre los años 50 y 70, recientemente me encontré con un par de comedias con las que no estaba familiarizado: Mala Suerte (Zezowate szczescie, 1960), un filme que casi nunca suele mencionarse de Andrzej Munk, y The Cruise (Rejs, 1970) de Marek Piwowski, que me he decidido a rescatar en este gabinete por pertenecer a un director mucho más desconocido que hasta donde sé filmó muy pocos largometrajes.

Aunque hoy día el filme ha quedado mayormente olvidado en comparación a otras obras del nuevo cine polaco, lo cierto es que en su momento tuvo un auténtico estatus de culto en su país, tanto por la película en sí como por las circunstancias de su rodaje y estreno. Veamos en detalle qué nos ofrece.

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Horas Desesperadas [The Desperate Hours] (1955) de William Wyler

Existe en el cine negro un motivo muy recurrente que es el del hogar visto como refugio sacrosanto de la familia en contraste con el peligroso mundo exterior. A menudo sucede que el antihéroe de un film noir intenta proteger su hogar de las consecuencias de los errores que éste ha cometido fuera de él, y se vuelve casi una obsesión el evitar que entren en contacto esos dos entornos totalmente diferentes. Por citar un par de ejemplos, podemos percibir eso en obras como Acto de Violencia (Act of Violence, 1948) de Fred Zinnemann o Pitfall (1948) de André de Toth. Relacionado con esa temática existe a su vez un subgénero que es el de las películas conocidas como “home invasion”, en que unos desconocidos entran en una casa respetable y secuestran a sus ocupantes. Aunque esta subcategoría va más allá del cine negro, es fácil trazar sus puntos en común con el motivo temático expuesto antes, dando pie a películas tan remarcables como Yo Amé a un Asesino (He Ran All the Way, 1951) de John Berry.

En el caso de Horas Desesperadas (The Desperate Hours, 1955) no nos encontramos exactamente dentro del terreno del cine negro, tanto por una puesta en escena que no abusa de los claroscuros como por el acercamiento argumental, que no destapa las miserias de la familia protagonista, pero sin duda hay puntos en común con la idea de separar el sagrado hogar del peligroso mundo exterior. Aquí partimos de una conocida obra de Broadway que se trasladó a la pantalla en forma de película prestigiosa, dirigida por uno de los cineastas más reputados del Hollywood de la época, William Wyler, y encabezada por dos estrellas como Fredric March y Humphrey Bogart. Nada de esto es necesariamente negativo, pero sí que quizá haya hecho que el filme no sea tan apreciado como creo que merecería, ya que esta suma de talentos genera unas expectativas demasiado elevadas para lo que de todos modos es un filme más que notable.

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Life on Hortobágy [Hortobágy] (1937) de George Hoellering

Resulta apasionante indagar en la historia del cine y seguir encontrando películas virtualmente olvidadas desde hace décadas que, no solo son magníficas, sino que le obligan a uno a repensar la historiografía clásica del medio, haciéndonos ver que es todo mucho más complejo de lo que a menudo se tiende a creer. Life on Hortobágy (Hortobágy, 1936) nació a raíz de una idea que tuvieron el cámara húngaro Lászlo Schäffer y el director austríaco George Hoellering. Estando ambos trabajando en la industria alemana, mucho más potente que la de sus países de origen, el primero recordó con nostalgia algunos de los paisajes de su infancia en Hungría, y el relato de los hombres que vivían ahí manteniendo su folklore y tradiciones intactas dedicándose a la cría de caballos suscitó el interés de Hoellering. Los dos viajarían a la zona de Hortobágy y se pasaron dos años conviviendo con sus habitantes y filmándoles para realizar un documental.

No obstante, con el paso del tiempo llegaron a la conclusión de que, pese a que el material filmado era de muy buena calidad, les hacía falta una historia para acabar de darle fuerza. De esa forma, decidieron integrar el material documental con algunas historias de ficción, y para ello contactaron con el escritor Zsigmond Móricz. Éste, aunque no tenía buena imagen de la industria cinematográfica húngara por considerar que realizaba películas muy artificiales, aceptó la idea de escribir un guion de ficción que debería ser interpretado por los propios habitantes de Hortobágy, y no por actores profesionales. A la práctica ese guion cambió tanto que Móricz inicialmente se disgustó, pero cuando vio el resultado final quedó conmovido.

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Eva Quiere Dormir [Ewa chce spac] (1958) de Tadeusz Chmielewski

Justo hace unas semanas hablaba de lo mucho que me gustaban las películas que sucedían en un espacio temporal muy concreto y sabían extraer todo el jugo posible de esa «limitación», utilizando como ejemplo Viernes Noche (Vendredi Soir, 2002) de Claire Denis. Y he aquí que en un ciclo de películas polacas que me he montado de repente me he topado con otra que cumple esa misma premisa: la divertida comedia Eva Quiere Dormir (Ewa chce spac, 1958) de Tadeusz Chmielewski.

El argumento es sencillo: Ewa Bonecka es una joven estudiante que llega a una ciudad de noche para empezar un curso en un nuevo centro educativo, pero descubre que tanto la escuela como la residencia para las estudiantes no se inaugurarán hasta el día siguiente. En consecuencia se encuentra en busca de un sitio donde dormir pero sin dinero ni nadie que la ayude en una ciudad desconocida.

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Publicación del libro La era de los pioneros, 50 obras clave del cine mudo

Amigos lectores, mi colega el Doctor Caligari acaba de publicar un nuevo libro dedicado a la era muda que creo que puede ser de su interés: La era de los pioneros, 50 obras clave del cine mudo, editado por la Editorial UOC dentro de su colección Filmografías Esenciales.

Dicha colección, coordinada por Jordi Sánchez-Navarro, tiene como propósito dar a conocer al público diferentes movimientos o géneros cinematográficos con una selección de 50 títulos reseñados con sus respectivas fichas. Siendo fiel a esa idea, aquí el Doctor Caligari (oculto una vez más bajo un pseudónimo como autor) se ha propuesto algo tan complejo como hacer un repaso a toda la era muda en tan solo 50 películas. Su idea es que este libro pueda servir a aquellos que no conocen a fondo el periodo como primera toma de contacto, al hacer una selección de filmes que reflejen la evolución del medio en esos años decisivos y toda la variedad de géneros, estilos y tendencias que dio de si esta época apasionante.

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Viernes Noche [Vendredi Soir] (2002) de Claire Denis

Siento debilidad por las películas que suceden por completo en un marco temporal muy concreto y limitado, y más cuando ese espacio temporal es suficiente para conocer a su personaje y los problemas que ha tenido o le esperan más allá de este momento en que sucede la película. Viernes Noche (2002), tal y como anuncia su título, sucede en su totalidad durante un viernes noche. Lo primero que vemos es a una mujer, Laure, empaquetando sus cosas en cajas para una mudanza. No se la ve muy ilusionada pero, como sabrán probablemente por experiencia, un traslado es cualquier cosa menos ilusionante. Seguidamente sale de casa y coge su coche para ir a cenar a casa de unos amigos, pero antes entra en una cabina de teléfono para dejar un mensaje en el contestador de su pareja. Y aquí es donde se nos da una primera pista sobre su situación, porque en cierto momento le dice (de nuevo sin mucha convicción) que tiene muchas ganas de ir mañana a vivir a casa de él… y entonces corrige y dice que en realidad quería decir «nuestra casa». De modo que nos encontramos con una mujer que va a dar el salto a la vida en pareja pero sin mucho entusiasmo, probablemente lamentando la pérdida de libertad que eso conlleva.

Cuando va en coche a casa de sus amigos a celebrar su última noche viviendo sola, se queda atrapada en mitad de un atasco de tráfico. Aburrida, hastiada y ya perdiendo la esperanza de llegar a tiempo a la cena, todo cambia cuando un atractivo desconocido, Jean, le pregunta si podría llevarla. Ella acepta y poco a poco empieza a cobrar forma la idea de vivir una aventura de una noche con ese hombre.

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Se Escapó la Suerte [Antoine et Antoinette] (1947) de Jacques Becker

¿Se imaginan pasar en cuestión de horas por la montaña rusa emocional de saber que les ha tocado el premio gordo de lotería… para luego descubrir que han perdido el billete ganador? Esta experiencia, que acabaría con la cordura de hasta la persona más sensata, es lo que les sucede a los protagonistas de este bonito filme con tono de cuento llamado Se Escapó la Suerte (Antoine et Antoinette, 1947) de Jacques Becker, una obra hoy día algo olvidada pero que en su momento tuvo mucho éxito.

Los protagonistas son una joven pareja que vive en un humilde ático de un barrio obrero parisino y cuya existencia se compone de sencillos incidentes cotidianos: la bicicleta de Antoine es atropellada por un camión, Antoinette debe soportar la estrecha vigilancia del encargado de la sección en que trabaja en unos grandes almácenes y, para rematarlo, cerca de su hogar el dueño de una tienda de comestibles le hace la corte a ella de una forma tan descarada que despierta los celos de su marido. Su vida está formada pues por pequeñas anécdotas y también pequeñas ilusiones. Ella quiere un piso con lavabo propio, él una motocicleta. Nada que nos pueda parecer poco razonable hoy en pleno siglo XXI, pero que en la Francia de posguerra no estaba al alcance de todos. Hasta que de repente irrumpe en sus vidas un billete de lotería que les otorgaría el premio de 800.000 francos y toda esa aburrida cotidianedad se desmorona, para bien o para mal.

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